Un manuscrito ilustrado o manuscrito iluminado es un manuscrito en el que el texto es complementado con la adición de decoración, tal como letras capitales decoradas, bordes y miniaturas. En la definición más estricta del término, un manuscrito ilustrado es únicamente aquél que ha sido decorado con oro o plata. Sin embargo, el concepto abarca ahora a cualquier manuscrito con ilustraciones o decoración de las tradiciones occidentales e islámicas. Los manuscritos ilustrados más antiguos que aún perduran son del período 400-600 d. C., elaborados principalmente en Irlanda, Italia, España y otros lugares del continente europeo.

La ilustración fue un complejo y frecuentemente costoso proceso. Fue usualmente reservada para libros especiales: una Biblia de altar, por ejemplo. La gente rica a menudo tenía "Libros de Horas" ilustrados, que contenían plegarias apropiadas para distintos momentos del día litúrgico.

A principios de la Edad Media, la mayoría de los libros fueron elaborados en monasterios, para uso propio o para regalo. Sin embargo, el comercio de los textos comenzó a crecer en las grandes ciudades, especialmente en París, Italia y los Países Bajos, y hacia finales del siglo XIV había una significativa industria que producía estos manuscritos, con detalles de la heráldica del comprador, etcétera. Hacia el final de este período, muchos de los manuscritos ilustrados eran pintados por mujeres, principalmente en París.

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Cuando el texto estaba completo, el ilustrador se ponía manos a la obra. Diseños complejos eran planeados, probablemente sobre tablas de cera, que eran los cuadernos de bosquejos de la época. El diseño era entonces trazado o dibujado sobre papel vitela (posiblemente con la ayuda de alfileres u otras marcas, como en el caso de los Evangelios de Lindisfarne). Muchos manuscritos incompletos supervivientes de la mayoría de los períodos, nos dan una idea de cuáles eran los métodos que se usaban para elaborarlos. En otros tiempos, la mayor parte de los manuscritos no tenían imágenes. A principios de la Edad Media, los manuscritos tendían a ser libros con numerosas ilustraciones, o manuscritos para estudiosos, con la mayor parte de sus iniciales decoradas. En el período Románico había muchos manuscritos decorados o iniciales historiadas, y manuscritos esencialmente para estudio que a menudo contenían algunas imágenes, pero raramente en color. Esta tendencia intensificada en el período gótico, cuando la mayoría de los manuscritos tenían al menos algunas decoraciones, y una proporción mucho más grande tenía imágenes de algún tipo. Los libros del período gótico en particular tenían muchos bordes elaboradamente decorados, una página gótica debía contener importantes zonas y tipos de decoración: una miniatura en el enmarcado, una inicial historiada comenzando un pasaje del texto, un fino enmarcado. A menudo distintos artistas trabajaron en diversas partes de la decoración de un mismo libro.

La paleta del artista medieval era sorprendentemente amplia:

Color	Fuente(s)
Rojo	Sulfuro de Mercurio(II) (HgS), usualmente llamado cinabrio o vermellón, en su forma mineral natural o sintetizado; Tetróxido de Plomo, llamado "minio" (Pb3O4); colores hechos a base de insectos tales como cochinilla, laca, etcétera; ferrín Óxido de Hierro (Fe2O3)
Amarillo	Colores hechos a base de plantas, tales como reseda, Curcuma longa o azafrán; colores amarillo tierra (ocre); oropimente, trisulfuro de Arsénico, (As2S3).
Verde	Compuestos a base de plantas tales como bayas de frangula; compuestos de cobre tales como cardenillo (también conocido como verdigris) y malaquita.
Azul	Azul marino (hecho del mineral lapislázuli); azurita; sustancias hechas a base de plantas tales como añil.
Blanco	Plomo blanco (también llamado "escama blanca", carbonato de Plomo (PbCO3)); tiza.
Negro	Carbono, de fuentes tales como hollín, carbón vegetal, huesos o marfil quemado.
Dorado	Oro, en forma de láminas (extremadamente finas) o pulverizado y esparcido en goma arábiga o huevo (llamado "oro de caracola").
Plateado	Plata, también en forma de láminas o pulverizado, así como con el oro; láminas de estaño.

No hay obras pequeñas o grandes por su tamaño. Una obra maestra puede ser algo un poco más complejo y consistir de múltiples partes.
Postales para hormigas es un proyecto de pintura en desarrollo llevado adelante por la artista de Ciudad del Cabo Lorraine Loots y consiste en la creación de una pintura en miniatura todos los días desde el 1 de enero de 2013. La artista trabaja con pinceles, lápices y a ojo pelado para hacer pinturas magníficamente detalladas apenas más grandes que una moneda pequeña. Después del primer año, Loots relanzó el proyecto en una segunda fase inspirada en la designación de Ciudad del Cabo como Capital Mundial del Diseño 2014 . En su sitio web se puede "reservar" una futura pintura (todo está reservado para este año), y también la impresión de cinco postales de edición limitada por cada día. Usted puede ver su trabajo y escuchar un poco más acerca de su inspiración en el vídeo que dejo a continuación realizado por Gareth Pon , y ella también actualiza regularmente los datos en Facebook . Esperamos poder ver su proyecto también en 2015.

Silvia Pelissero, mejor conocida por su apodo en DeviantArt como Agnes Cecile, es una artista nacida en la ciudad de Roma, Italia. Comenzó su carrera artística al realizar sus estudios secundarios en el Liceo Artístico De Chirico, ubicado en dicha ciudad, para luego dedicarse por completo a la formación profesional. En sus obras Pelissero utiliza pigmentos muy líquidos para formar imágenes artísticas significativas, cargadas de una gran expresividad emotiva. Detrás de cada retrato creado se encuentra una historia única y un mensaje a transmitir. Sus acuarelas se realizan a gran velocidad, cautivando al espectador mientras ella en el soporte del papel manipula el caos con habilidad magistral. Sus esquisitos diseños utilizan una paleta limitada de colores muy intensos para así poder plasmar su magia 

Aquí les dejo el video del proceso pictórico, que como siempre ha de ser, comienza con un muy tenue esbozo en lápiz y se culmina con un rotulador indeleble de color blanco.

Uno de los comentarios más comunes que recibo cuando se ve un trabajo de este tipo de artista es "oh, eso parece fácil." Después de todo, los materiales y el método están justo frente a usted: pintura o tinta, un pincel o pluma, y ​​una mano que se mueve con destreza a través del lienzo. Lo que resulta completamente invisible por supuesto son los años y años de práctica, los ensayos y fracasos, y la posesión de un talento innato. Un gran ejemplo de ello son estas pinturas de dragones japoneses que se realizan casi por completo con un solo trazo de pintura.

Según el blog cultural japonés  Iromegane , las pinturas se llaman Hitofude Ryuu (Dragon con un solo golpe), y los que se muestran aquí se originan en un pequeño estudio llamado Kousyuuya en Nikko, Japón. El estudio ha sido testigo de cuatro generaciones de maestros pintores que han ido creando estos dragones estilizados durante décadas.

El proceso consiste en pintar cuidadosamente una cabeza de dragón adornado con diversos apliques, y después terminar la pieza con un cepillo de sumi gigante en un golpe cuidadosamente orquestado. El proceso tiene mucho en común tanto con  la caligrafía oriental, y al igual que con las letras, las imágenes se repiten a menudo. A partir de los vídeos se puede ver ciertos diseños o estilos que están siendo reutilizados en diferentes colores o detalles adicionales. El primer video lo hago comenzar en laparte más picante, pero usted puede rebobinar hasta el principio y ver la elaboración de los primeros trazos de las cabezas de dragón.

Gabriel Sainz nació en la ciudad de Buenos Aires en 1967, como muchos de sus colegas, tuvo una temprana relación con elementos que luego serían sus herramientas; su madre, estudiante de Bellas Artes y su padre aficionado al dibujo, estimularon en los primeros años lo que luego sería su vocación. Concurrió al taller de Guillermo Roux donde, entre otros, recibió enseñanzas de Eduardo Faradje. También asistió al taller de Juan Doffo y fue becario de la Fundación Antorchas donde tuvo como profesores a Remo Bianchedi, Marcia Swartz, María José Herrera y Laura Batkis. Su infancia porteña y sus años de vida en la patagonia han signado su pintura.

No hace mucho tiempo  fue objeto de un extenso reportaje para el programa Métodos de Canal (á) .

Aquí les dejo el Trailer y los capítulos publicados en Youtube.

Si sumamos las cualidades del óleo y su permanencia en fresco a la técnica depurada de un pintor como Duane Keiser podremos disfrutar de la evolución de un mismo cuadro como si se tratara de una secuencia temporal tomada mediante Time Lapse. Más abajo pueden ver el video Yolk (yema de huevo) que nos ha dejado como muestra de su trabajo.

Duane Keiser estudió pintura con Ray Berry de Randolph-Macon College en Ashland, Virginia (1984-1988) y Lennart Anderson en el Brooklyn College de Nueva York (1988-1990). Su blog llamado "Una pintura de un día" se ha hecho famoso en numerosas publicaciones , incluyendo EE.UU. Today y el New York Times. Es famoso por el uso de un caballete improvisado hecho con una caja de puros, y la relización de una pintura en tamaño postal cada día que luego es subida a su blog donde los coleccionistas pueden pujar por ellas a través de eBay (el proyecto está en marcha y se puede ver aquí.) 

Ha expuesto en Fischbach Gallery, Allan Stone Gallery y, más recientemente, en la Academia de Arte de Nueva York. 

Su trabajo se encuentra en varias colecciones corporativas y cientos de colecciones privadas de todo el mundo, incluyendo el Peterson Colección Gregory. 

En 2009 recibió una beca de la Fundación Richard Estes

Actualmente vive y trabaja en Richmond, Virginia.

Gregg Kreutz es un pintor al óleo con sede en la ciudad de Nueva York. Imparte clases en la Art Students League, así como muchas escuelas de arte de todo el país durante todo el año. Él es también el autor de la resolución de problemas de pinturas al óleo, un libro de instrucción para los artistas.

Nacido en Chabarovsk, Rusia, Vladimir Volegov comenzó a pintar a la edad de tres y su talento se ha destacado en repetidas ocasiones a lo largo de su adolescencia. Después de asistir a la escuela de arte "Krivoj Rog" y de servir en el ejército, Vladimir Volegov fue admitidó en el Instituto poligráfico de Lvov en la ex Unión Soviética.
A partir de 1984, Vladimir Volegov comenzó a participar y ganar, las competiciones internacionales de poster.
Vladimir Volegov se trasladó a Moscú en 1988 y en poco tiempo, se inicia en la carrera del arte comercial. Casas Editoriales Rusas solicitaron su talento para el diseño de CD y cassette para grupos musicales. Al trabajar con las editoriales, Vladimir Volegov continuó trabajando en sus obras y al mismo tiempo participar en exposiciones.
En 1990 Vladimir Volegov comenzó a viajar a Europa, donde obtuvo dinero pintando retratos en las calles de Barcelona, ​​Berlín, Viena y otras ciudades europeas. Es con esta experiencia que perfeccionó más sus habilidades en la representación de la forma humana.
Durante los últimos catorce años, su arte se ha convertido en la obra figurativa más sorprendente de hoy en día. Paleta de colores vibrante con golpes audaces que se unen para crear imágenes evocadoras que poseen una sensibilidad intemporal.